Un Posto che sia il Tuo Posto di Rito Mazzarelli

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… La poesia diventa l’antidoto per architettare sublimazioni e analogie, cioè una combinazione, non solo sintattica, ma filosofica per comprendere meglio gli infiniti mondi paralleli e per costruire il senso del tempo. Nei microcosmi ci sono tracce di sentimenti e di vicende, preziose rivelazioni del sé che conservano il senso delle reminiscenze. Vivere e abitare vengono intesi, dunque, come sapere di sentirsi a casa. Persone e cose si addensano in un solo elemento in cui amore e libertà sono momenti privilegiati.

Dalla quarta di copertina

 

Un posto che sia il tuo posto

e continuare

un luogo tranquillo al riparo

dai giorni in bilico tra le mani

solo cicatrici.

Corre lo sguardo nei piani

più in alto

corpi abbracciati fumano nervosi.

Ora migliaia di battiti inseguono

una bocca dal sapore insolito

e dimentico.

Andrai, strade vuote

rifletteranno vetrate

colore pastello

luci perdute tra le pozzanghere.

Rito Mazzarelli è nato a Benevento e vive a Caserta. Specializzato in Medicina interna lavora presso l’Azienda Ospedaliera ‘Rummo’ di Benevento nel reparto di Medicina d’urgenza. È appassionato di arte grafica e di poesia. Il testo Le ragazze di settembre è risultato Primo Classificato nel Premio Internazionale Iside, VI Edizione, anno 2018. Un posto che sia il tuo posto è la sua Opera Prima.

 


Prezzo di copertina euro 10,00
Pag. 45
Codice ISBN  9788885781115


 

Scheda del libro tradotta in Lingua Romena

Rito Mazzarelli conquista il Premio Iside 

Recensione di “Un Posto che sia il tuo posto” su Poesie e Versi, a cura di Mariano Ciarletta

Quanto a Moravia dinanzi a Picasso …

di Luigi D’Alessio

Moravia assiste a come Picasso 

disegna in un tratto il toro. 

Lo cancella. 

Secondo rapido toro. 

Picasso, cancella. 

Quarto toro. Cancellato. 

Moravia non ha tempo

per memorizzare il toro. 

Avverte che è il più tauromatico

delle tauromachie. 

Quinto toro. Nove. 

Il decimo, l’undicesimo toro. 

E ecco il toro di Picasso. 

 

#io

 

Moravia è rimasto senza poter obliterare 

il ricordo del quarto toro. 

La bellezza ha cannibalizzato l’immagine. 

Dunque non può assolutamente descrivere quel toro. 

Bellissimo, rispetto al definitivo. 

Il toro-toro per Alberto Moravia è il quarto, 

solo perché Picasso gli ha offerto l’opinabilità

del suo mondo interiore. 

Cioè ha permesso che entrasse nell’intimità del retrobottega. 

 

#fotografiaintima

 

Il re chiede a Chuang-Tai 

di disegnare un granchio con la rapidità 

che lo ha reso famoso. 

Chuang-Tai chiede cinque anni. 

Passano. 

Chuang-Tai chiede altri cinque anni. 

Passano con esattezza dieci anni. 

Chuang-Tai si presenta al re. 

Apre la scatola dei pennelli. 

Il servitore gli porge il calamaio. 

Chuang-Tai solleva il coperchio d’argento,

sporge il collo nell’inchiostro, 

intinge l’appuntito pennello 

estratto dall’astuccio di seta,

e in meno di un istante disegna il più bel granchio 

mai visto da re. 

 

#oggi

 

Chuang-Tai, il re, il granchio, e cinque anni più cinque. 

Questa Poetry Lectures sulla Rapidità, Italo Calvino 

la tiene un 21 giugno nell’Aula Magna dell’Università di Harvard. 

 

#NortonLectures

 

Quanto a Moravia dinanzi a Picasso, 

non so se verità o mia presunta narrazione. 

Fatto sta che l’attinenza del toro col granchio

è implicita. Incontrovertibile 

che il toro sia nel granchio. 

 

#fotografiaintima

(È l’identica stanza, la stessa porta che dà sullo stesso bagno,

di numerose fotografie fa. Eppure non è la stessa stanza, né la stessa porta, 

che dà su una differente immaginazione del bagno.)

 

Gli leggeva I promessi sposi …

di Luigi D’Alessio

Gli leggeva I promessi sposi.

A un certo punto nel testo

c’è un richiamo a Enzo Tramaglino.

L’hidalgo comincia a piangere.

 

#fotografiaintima

 

Interrompe la lettura.

Appoggia le mani sulle sue.

Gli chiede perché I promessi sposi

lo sconvolgano sempre tanto.

Lui scuote la testa.

“Ma queste sono cose

che non si possono spiegare.”

 

#hashtag

 

Il giorno dopo, 21 maggio ore 20.

Interno 13, secondo piano, via Blumenstihl 19.

Lo hanno vestito da prima comunione.

Le scarpe nere lucide sono sproporzionate.

Lei si avvicina al nonamato.

La sua pietra dell’unzione è un rettangolo

di compensato su una reta.

 

Il grande corpo.

 

Lei si china.

Mémoire.

Quella volta il nodo della cravatta

le riuscì bene.

 

#adalgisadovesei

 

Chiudo il libro.

Invio la nota a Rita.

 

È La Morte Di Gadda.

 

#fotografiaintima

#io

Rancura – Rancurare: una parola e un verbo singolari, compositi, alchemici

Ci sono parole antiche magnifiche di significanza: parole non consuete che immettono, dal momento che le pronunciamo anche solo mentalmente, nello spazio della reminiscenza immaginativa.

La parola che ha questa natura seduttiva è rancura:  lo scrittore e critico letterario Romano Luperini l’ha impiegata per il titolo del suo romanzo La rancura. E ha fatto benissimo: il termine, che anche il poeta Eugenio Montale ha usato nei versi splendenti di Giunge a volte, repente …, Ossi di seppia, e ancora prima Guido Guinizzelli e Dante Alighieri, conserva alchemicamente sentimenti contrastanti, un istinto fortissimo di contrapposizione e affermazione, un sottile astio di cui si prova senso di colpa, angoscia. Una parola di genere femminile che sostituisce il maschile ‘rancore’ che ha suono sordo, ottuso, persecutorio; una parola che evoca un movimento psichico di macerazione e volizione, una vaga sensazione di protezione proiettata al futuro.

Nella lingua veneta esiste la forma verbale rancurare: conservo dalla mia infanzia il suono del verbo che sentivo pronunciare dai miei nonni veneti con voce di protezione e al tempo stesso di preoccupazione, di difesa, perché quella parola ha il senso composito e complesso di ‘raccogliere con sollecitudine e conservare con cuore, cuor di leone, strenuamente’ ciò che è proprio, ciò che rappresenta un bene, serve, ci radica nell’affetto e nella responsabilità.

Ora, rancura declina flessioni del verbo e predilige quelle che riportano a una forma di belligeranza e credo che connotarsi solo in alcune delle parti originali sia la sorte delle parole che discendono da verbi con forte caratteristica psichica: manifestano, nella luccicanza del particolare, lo splendore dell’intero.

Ebbene, contro l’uso di termini omologati, comuni e pedissequi, cerchiamo e usiamo nel nostro dire e scrivere quelli che sono un globo di rimandi, una tessitura finissima di sentimento e ragione: non si tratta di parlare e scrivere forbito, accademico e arcaico, ma di attribuire valore ai contenuti di un discorso, di un testo, e che inizia dal valore di una singola parola.

Adriana Gloria Marigo

Luino, 15 ottobre 2018

 

Gloria_ufficiale

Adriana Gloria Marigo è nata a Padova, vive a Luino. Dopo gli studi universitari in pedagogia a indirizzo filosofico, ha insegnato nella scuola primaria. Attualmente cura la presentazione di libri, collabora con associazioni e riviste culturali, dirige la collana di poesia AlabasterperCaosfera Edizioni di Vicenza.

Ha pubblicato le sillogi Un biancore lontano, LietoColle, 2009; L’essenziale curvatura del cielo, La Vita Felice, 2012;Impermanenza, plaquette per le edizioni Pulcinoelefante, 2015; Senza il mio nome,Campanotto Editore, 2015; Santa Caterina d’Arazzo, plaquette per GaEle Edizioni, 2017; 15 Poesie da Senza il mio nome e una poesia inedita, plaquette per Caosfera Edizioni, 2017; Minimalia, Campanotto Editore, 2017.

 

Carla De Angelis: “Mi fido del mare”, (Fara ed. 2017) – 13/10/2018

recensione di Stefania Di Lino (2018)

La bellezza è come una gemma preziosa, per la quale la migliore montatura è la più semplice.
(Francesco Bacone)

 

Si respira una dolce aria che scioglie

le dure zolle, e visita le chiese

di campagna, ch’erbose hanno le soglie.

(Giovanni Pascoli)

 

Ogni poesia ci pone di fronte l’alfabeto di un dolore, che, come un aculeo, giace conficcato in qualche organo del corpo.  Si tratta di una crocefissione interiore, che non è dato vedere  a sguardi superficiali. E nessuna lingua, parola,  o diagnosi, possono  eviscerare descrivere, riferire, l’assurdità del male, l’incongruità straniante di quell’incidente di percorso legato al caso, che determina uno o più destini e fa di noi, come disse Ungaretti in un suo famoso distico, foglie sugli alberi, in autunno.

E di fronte al male siamo presi da un peso insostenibile e da un senso intollerabile  di ingiustizia,  in cui la domanda più ricorrente è: perché?

 

Allora, laddove il pensiero logico-razionale è costretto ad arrendersi,  per mancanza di risposte – non esiste un perché – ecco che avanza il poeta come l’utopia all’orizzonte.

Infatti solo alla parola poetica, per misteriosi percorsi, è dato,  il compito di scandagliare il fondo scabroso del dolore, di grattarlo, scavarlo, di mettere sotto lente cocci e reperti, l’organico e l’inorganico, che l’essere in vita comporta.

 

Ai poeti veri, assidui frequentatori  degli abissi umani,  palombari delle voragini come delle vene aperte, a loro competono  i ripetuti tentativi di scrivere per de-finire il dolore  – pre- definirlo anche nel senso etimologico del termine, cioè stabilire un limite, un confine, un contenimento – attenzione: non un conforto! –, e anche,  in questo caso, di soppesare in punta di penna  l’entità di un dolore, misurare meticolosamente per prevenire quasi sillabicamente il punto di crisi e baricentrare l’equilibrio dei versi.

 

E, a proposito di misure ed equilibri , viene in mente per analogia, un corrispettivo spaziale della poesia di Carla: le sculture volanti di Alexander Calder, i ‘mobiles’ che si librano leggeri nell’aria, ma solo dopo che l’artista, valutando attentamente le forze contrastanti,  pressioni che se opposte e diseguali andrebbero a confliggere, riesce a trovarne l’esatto punto di equilibrio con cui dar vita autonoma alle sue opere aeriformi.

Analogo bilanciamento,  e studiata leggerezza, si notano evidenti, anche per la brevità dei versi, nella poesia della De Angelis, come a paventare, – a torto o a ragione, in questa sede non è importante -, in una severa autodisciplina, il rischio dell’invadenza causata da una logorrea, da un flusso eccessivo di parole. Infatti così chiude una poesia: ‘… educare la volontà a/ contare la distanza tra il pensiero e la parola’ (pag.66).

 

Stasi nel buio. Poi
L’insostanziale azzurro
Versarsi di vette e distanze.

(Silvya Plath)

 

E allora, sin dalle prime pagine di questa raccolta di Carla De Angelis,   anzi direi già dal primo testo introduttivo –  si viene catturati dalla bellezza, liberati da ogni corazza sovrastrutturale, disarmati dalla semplicità e  pervasi dalla convinzione di essere immersi nella trama di un tessuto testuale di ottima matrice.

C’è un filo d’argento che conduce il lettore tra i versi, un filo sottile ma resistente, capace di suturare crepe e rammendare lacerazioni, tanto è vero che il termine “filo” ricorre spesso, anche con dei richiami mentali: ‘Intreccio reti’ infatti, è la bella chiusa che troviamo nella breve poesia che segue (pag. 44):

 

Che fine ha fatto la semplicità? Sembriamo tutti messi su un palcoscenico, e ci sentiamo tutti in dovere di dare spettacolo.
(Charles Bukowski)

 

Si tratta di una poesia raffinata, elegante, che si porge nuda e aggraziata nell’apparente semplicità della costruzione del verso, ma di quella semplicità, –  come diceva Picasso a proposito della sua arte -,  intesa come frutto di una macerazione interiore e di una lunga profonda elaborazione intellettuale ed emotiva. Insomma una complessa semplicità – e non è un ossimoro – che racchiude in sé un coagulo di sangue, una stilla di cui da sempre,  il poeta è donatore (pag. 54):

 

‘Ruberò ancora un poco

d’aria al vento poi

cederò i miei colori a

chi è meno fortunato’

 

Nel suo candore espressivo, la poesia di Carla De Angelis,  si annuncia di alto lignaggio; solo in apparenza è mite e rassegnata al fato che ‘pone e dispone’ delle nostre vite. In realtà si tratta di una poesia forte e determinata, rodiata com’è dalla sofferenza vera, e per questo è una poesia autentica. La climax  pur fluida,  alterna momenti di fanciullesca meraviglia, a picchi e invocazioni verso l’’Alto, ‘Al Dio che ogni giorno chiamo in giudizio […]’ (pag.97), ‘[…]Padre nostro/Padre nostro/ Padre nostro […]’(pag.102).

E una confessione umana, importante e sincera: ‘Padre non so perdonare[…]’(pag.100).

Una preghiera a volte pudicamente sussurrata, il cui grido, spesso trattenuto e sotteso, si manifesta palese, in alcuni passaggi (pagg.65):

 

‘Ad ogni giorno che muore

affido una parola che squilla

che strilla: perché qui adesso?’

 

Parliamo di una scrittura di esperienza, quindi e in quanto tale, attraversata  inevitabilmente da dubbi e incertezze. Ricorrente è infatti il punto interrogativo che troviamo in diversi testi presenti nel libro; interrogazioni usate anche come figure retoriche, che aprono ulteriori vastità interiori senza attendere risposte- non umane almeno.  Domande profonde, che a volte sottendono metafore, ma che conducono sempre alla ricerca di un senso. Una poesia che dopo le brevi calibrate righe di introduzione – (tutto il volume, come dicevo, si presenta con una sua attenta calibrata organicità espressiva) – si apre con il primo testo che interroga e denuncia, da subito, l’elaborazione di un lutto forse mai finito, di una perdita talmente grave di cui si incolpa addirittura una luna malvagia e  tanto invidiosa della bellezza trovata in una sola creatura, al punto di farle del male.

 

Gli accidenti, cercare di cambiarli è impossibile. L’accidentale rivela l’uomo.

(Pablo Picasso)

 

La  luna nera, nella lettura dei  tarocchi simboleggia una mancanza, una perdita sofferta. Si denuncia un ratto, – nel senso di rapimento -, la sottrazione di un bene prezioso e insostituibile al punto che la nostra poetessa si chiede, nell’ultimo verso di questa toccante poesia   se il bene prezioso che qualcuno, o qualcosa, ha portato via “basterà la vita per ritrovarlo?” (pag.13).

 

E inoltre (pag. 98):

 

‘Questo dolore così intimo

così grande che non lo sento

 

Ci vorrebbe il sorriso di una zingara

che mentre legge la mano promette

 

Ci sarà un’alba dove i mali fuggiranno

come farfalle a un sole troppo caldo

 

Ci sarà ci sarà’

 

Nel panorama internazionale, per comparazione,  sovviene la poesia interrogante di Juan Gelman (1930-2014), grande poeta argentino, la cui biografia personale è pervasa da lutti e tragiche sparizioni filiali subite sotto il regime dittatoriale del generale Videla, il quale affermava: “ Scrivere poesia è interrogarsi sulla realtà, senza timori”.

 

E di versi interroganti nella raccolta della De Angelis se ne incontrano. sono versi contadini, che sanno di terra e di erba, aerei eppure terrestri,  che si rivolgono al cielo quanto alla terra e alla sua cura. Ne cito solo alcuni:

 

‘non mi sottraggo al dubbio/ la differenza è nel seme o nella terra?’ (pag. 16)

 

‘Uccelli che fate? Mangiate il seme?’ (pag.17)

 

‘Come può riposare il corpo/devastato dalle cose del mondo?’ (pag.21)

 

‘Posso evitare le faville?/Ognuna mi rivolge uno sguardo diverso/ ognuna pretende di essere tutta.’ (pag,40)

 

‘Tutto cambia lo sguardo si ferma su una frase:/Perché ha detto che i ciechi vedranno?’(pag.57)

 

La poetessa Carla interroga con i suoi versi, senza avere la pretesa di dare risposte esaurienti. Tutt’al più troviamo un tentativo di ridimensionamento, una sdrammatizzazione  della propria sofferenza – e mai, si badi bene, di quella altrui (pag.58):

 

Come ho fatto a far cadere gocce
senza soffrire?

Erano solo acqua

le lacrime son altro

 

e interrogandosi, la poetessa si sottrae a una fin troppo facile retorica del caso; sfugge alla banalizzazione del dolore, sempre e comunque con la forza asciutta della sua parola, driblando agilmente la banalizzazione di ogni stereotipo, indagando in quelle schegge impazzite, sofferte e sofferenti, intrise di umanità che, vivendo, ci si ritrova tra le mani.  Scintille d’amore che riescono a conferire al dolore la sua dimensione universale e sacrale. Perché il dolore di un poeta è sacro, in quanto è dolore del mondo.

 

In tal senso i versi poetici di Carla De Angelis, prescindono, e vanificano di gran lunga, qualsiasi etichettatura  di religiosità comunemente intesa, per attestarsi nella sfera del Sacro, – a tutto quello, cioè, che attiene al trascendente nell’immanente.  Anzi quest’ultima dimensione, l’immanenza appunto,  sembra essere conditio sine qua non, per quella propulsione verso l’Alto, ovvero verso il Padre, tanto spesso invocato  e interrogato mediante la manifestazione dell’immanente.  Paradossalmente, per  Carla,  potremmo  parlare di una dimensione pre-religiosa, prima cioè dell’invenzione delle religioni,  poiché l’origine da cui i suoi versi traggono forza espressiva, fondendo il Sacro e il Profano, si trovano nella medesima terra, in cui Spirito e Materia sono fuse nel medesimo Corpo e qui si fanno Logos.

 

Una poesia dunque, che a furberie lessicali e a ornati bizantineggianti, specchietti per

sprovvedute allodole, oppone la potenza della parola ‘sola’ poetica. Semplicemente.

 

Stefania Di Lino, 11 ottobre 2018

 

Carla De Angelis è nata e vive a Roma. Sue poesie e racconti sono presenti in riviste e antologie edite da Perrone, Estroverso, David&Matthaus,  Delta3, Pagine, Aletti.  Ha ricevuto premi e riconoscimenti. Con Fara ha pubblicato: Salutami il mare (2006), A dieci minuti da Urano (2010), I giorni e le strade (2014). Con Stefano Martello ha realizzato i saggi: Diversità apparenti (2007), Il resto (parziale) della storia (2008), Il valore dello scarto (2016). I suoi versi nelle antologie Il silenzio della poesia (2007), Poeti profeti? (2008), Chi scrive ha fede? (2013) e nelle antologie del Concorso “Come farfalle diventeremo immensità” (ultima Il coraggio del bene, 2017). Nel 2011  esce Mi vestirei di mare (Progetto Cultura). Ha ideato e curato le antologie Corviale cerca poeti per la Biblioteca di Roma “Renato Nicolini”, con la quale collabora tutt’ora.

 

 

Stefania Di Lino vive a Roma, è poetessa e artista visiva.

Allieva di Pericle Fazzini e del poeta critico d’arte Cesare Vivaldi, presso l’ Accademia di Belle Arti di Roma, si specializza in tecniche incisorie alla Calcografia Nazionale, per il Ministro dei Beni Culturali e Ambientali. Inoltre si abilita all’insegnamento di materie artistiche negli Istituti Superiori. Occupandosi anche di formazione, é autrice di percorsi e progetti formativi per la scuola pubblica, denominati Educare con l’arte.

Espone i suoi lavori dal 1989, in gallerie private e luoghi istituzionali, con mostre personali e collettive.  E’ presente in numerose antologie, in importanti riviste specializzate, tra cui I fiori del del male, periodico diretto dal poeta scrittore Antonio Coppola, nell’ultimo numero, 2016/2017; Bibbia d’Asfalto, rivista d’arte contemporanea;  Valentina Meloni (Nanita) blog Poesie sugli alberi, e  altri  blog letterari. Ha partecipato a numerosi reading di poesia, coniugando spesso la parola all’immagine.

Dal 2012, e per diverse edizioni consecutive, aderisce al progetto World Poetry Movement con la Palabra en el Mundo, partecipando come artista e poeta, e organizzando diversi eventi multidisciplinari nel suo Studio d’Arte di via Monte Giordano, a Roma.

E’ promotrice culturale, ideatrice e curatrice di esposizioni e incontri poetico – letterari .

Nel 2013 pubblica la sua prima silloge poetica dal titolo Percorsi di vetro, con De-Comporre Edizioni, casa editrice di Gaeta, prefazione dlla scrittrice Agnese Moro, post fazione della poetessa scritrice, Sandra Cervone;  nel 2017 la sua seconda raccolta, La parola detta, prefata dalla poetessa scrittrice Cinzia Marulli, edita da La Vita Felice, di Milano.

 

 

A proposito di … facebook e i ricordi!

Quasi ogni giorno facebook ci ricorda un ricordo: un post che abbiamo scritto anni prima e che scompare dalla home (e dalla mente) in maniera velocissima, soprattutto se abbiamo concesso ‘amicizia’ a tanti contatti e seguiamo molte pagine. Spesso si tratta di post con fotografie, con didascalie poetiche, locandine, articoli di giornali, eventi, condivisioni di link letterari e tanta pubblicizzazione del proprio lavoro (almeno per me è così!) A volte i ricordi ci fanno sorridere rimandando alla memoria la gioia vissuta in quei momenti passati, altre volte, invece, sono tristi perché legati ad avvenimenti disastrosi o a perdite di persone care. La cosa che mi colpisce sono i commenti riportati in quel post: ridicoli o adulanti, oppure sinceri e duri come la realtà. Oggi facebook mi ha ricordato un mio post di cinque anni fa (Dio mio, come passa il tempo, credevo di averlo scritto un mese fa – sorrido!). Si tratta dell’abbraccio passionale tra  Ingrid Bergman e Cary Grant nel bellissimo film Notorius – L’amante perduta di Alfred Hitchcock del 1946. Una fotografia che racchiude il sentimento, il dramma e la dedizione di tutta la trama. La didascalia è una mia quartina inedita che riporto testualmente:

 

 

Ho voglia di quell’ultimo bacio
dato nel secco silenzio. Suonato
nel mio corpo e poi nel tuo
quando stava morendo l’altra estate.

 

Bene, ho ripensato ai baci: quanti sono i baci che ho dato e quelli che ho pensato? Sicuramente, per  onestà, vi confido che i secondi sono in sfrontata maggioranza! E allora questo ricordo mi fa fare i conti con i miei ultimi cinque anni in cui, riguardandomi, realizzo di aver baciato troppo poco! Concludo ringraziando facebook e auspicando di baciare tanto e di pensare meno … adesso vi saluto tutti caramente e vado … a baciare! A prestissimo.

Rita Pacilio

‘Lo farei, ma non ho tempo’ l’ultima piaga dei Sapiens Sapiens odierni.

Ormai troppo spesso deflagra con violenza dalle nostre bocche per darsi aria e arie questa frasuncola – massima contemporanea: ‘Lo farei, ma non ho tempo’.  ‘Nostre bocche’ in quanto anche io, non più di un’ora fa, l’ho bella bella pronunciata in un audio su WhatsApp ad una cara amica. Dopodiché mi sono chiesta – ma che vuol dire esattamente LO FAREI, MA NON HO TEMPO?  Vige, immagino, una presunzione in virtù della quale chi avrebbe tempo – Ma chi ce l’ha? – possa in qualche modo fare ciò che gli altri (senza tempo) non possono permettersi di fare. Segue, quindi, l’idea che chi abbia tempo, ce l’abbia perché in realtà fa relativamente poco, detta alla francese: non ha un cavolo a cui pensare e quindi fa ciò che gli altri non possono fare. Mi domando se non ci sia un qualcosa un tantino contorto in questa visione del mondo!

Fortunatamente, poi, mi viene in soccorso Lewin con la soluzione sottobraccio: ‘Non puoi capire un sistema finché non provi a cambiarlo’ – Allora, capiamola questa frasuncola, cambiamo le cose!

Dice, sempre l’amico citato pocanzi, che è necessario tenere conto dell’intera situazione, dal momento che la concentrazione su fatti isolati può produrre una percezione distorta delle circostanze, come a significare: ‘Ehi, ho capito che il tuo destino dipende abbastanza da te, ma una buona fetta dipende anche dagli altri e viceversa. Perché non ti assumi ora la tua responsabilità per il bene collettivo? (e trovi il tempo per fare questa cosa che volendo faresti?)’ È che forse siamo un po’ pigri ultimamente, un po’ senza motivazioni, svogliati. Non sarà che il tempo lo abbiamo ma non lo vogliamo, giacché ciò che compiamo, alla fine dei conti, dovrebbe rappresentare chi siamo?

 

Alessia Iuliano

Roma, 18 settembre 2018

Prologo al testo

[Roma, 18 settembre 2018, sull’autobus che percorre viale Aventino, alle ore 18.30.
C’è ancora luce, ma volge al tramonto. Il colore nell’aria è diverso: annuncia l’imminenza dell’autunno Il bus traballa sui sampietrini, gli stessi che percorrevo da bambina con mia madre per raggiungere mio padre nell’ufficio che si affacciava proprio sul bel viale alberato. Allora c’erano grandi platani ai lati della strada, ormai sostituti da tempo con tigli profumati e farnie. Pensando alle piccole cose, ai dettagli che colorano il vissuto e lo impregnano di odori. Piccole cose, particolari, che rischiano di andare persi se non li fissiamo anche attraverso la scrittura. Per la memoria che trattiene chi siamo stati e per chi siamo stati. Al filo che invisibile ci lega.]

Testo

Le cose vanno dette per come sono, perché nel dettaglio può nascondersi il senso., una testimonianza. Se si parla di un filo, voglio sapere come è: quanti capi ha, se è teso, arrotolato o ingarbugliato; se ha nodi oppure no, se lega stretto o invece unisce morbido; se guida all’interno del labirinto sicuro verso la salvezza, o penzola nel vuoto abbandonato all’inconsistenza del suo nulla.
E’ nelle azioni, e nelle loro conseguenze, che si svolge – come un filo – la vita.
Ed è nella capacità simbolica che trae forza la sua narrazione.


Stefania Di Lino
Stefania Di Lino, vive a Roma. È allieva dello scultore Pericle Fazzini e del poeta critico artistico e letterario, Cesare Vivaldi, uno dei fondatori del gruppo 63, presso l’Accademia di Belle Arti di Roma. È docente abilitata MIUR per gli Istituti Superiori e formatrice. Da anni è presente in numerose manifestazioni artistico- letterarie. . È tra i redattori della rivista artistico- letteraria Bibbia d’Asfalto, autrice di diversi articoli e recensioni,e del blog PoesiaParola. Ha partecipato al Festival dei Due Mondi, a Spoleto. Nel 2011 aderisce al “World Poetry Movement” con la “Palabra en el Mundo”. Nel 2012 pubblica la raccolta di poesie Percorsi di vetro (De-Comporre Edizioni), prefata da Agnese Moro e Sandra Cervone. E’ presente in molte antologie e riviste specializzate, tra queste si cita il prestigioso periodico poetico-letterario “I fiori del male”, diretta da Antonio Coppola. Partecipa con un suo testo critico al X Festival Mondiale di Poesia di Caracas, presentando un’opera video del poeta italo-venezuelano Antonio Nazzaro; nel 2014 alcune sue poesie vengono selezionate in un concorso indetto dall’UNESCO di Torino per la giornata mondiale di “Etica Globale e Pari Opportunità: contributo delle donne allo sviluppo dell’Europa e del Mediterraneo”. I testi vengono tradotti e pubblicati in 14 lingue. Nel 2015 partecipa alla Rassegna Poetica presso la Galleria Biffi di Piacenza con Dialoghi Poetici. Nel 2017 pubblica “La parola detta”, silloge prefata da Cinzia Marulli, per La Vita Felice, Milano, riceve la Menzione Speciale della Giuria per il Premio Nazionale di Poesia Terra di Virgilio (III Edizione), Mantova, e, al Concorso Nazionale S. Anastasia XV Edizione, Napoli, riceve il 2° Premio per la Poesia Inedita. E stata membro di giuria in diversi concorsi letterari, e con i suoi testi poetici è stata presente in diverse edizioni dell’Estate Romana, al Festival Musicale delle Nazioni, al Teatro di Marcello e presso la Sala Baldini

L’Arte su tutto di Emanuele Giampaolo

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… “Non so bene quando tutto questo ha avuto necessità di venire al mondo, se attraverso le mie mani è nato il pensiero o viceversa. Penso sia stata una necessità, qualcosa di fisiologico. Il Daimon. Quando l’arte diventa la guida, la chiave di lettura per tutte le cose, il motivo che spinge, che a tratti si veste di presunzione, che ti indica le linee e le composizioni attraverso la luce che colpisce in ogni dove, ecco, lì riconduco chi sono e qual è il mio compito, la mia responsabilità”…

Dalla nota dell’autore

L’Arte su tutto è una galleria d’arte in cui immagini, interventi critici e poesie co-vivono.

 

Emanuele Giampaolo (EG) è un giovane artista partenopeo. Nasce a Napoli nell’ottobre del 1986.
Consegue gli studi superiori giungendo fino all’Università Federico II di Napoli dove intraprende il percorso di Lettere e Filosofia. Oggi è un imprenditore edile e designer. Il suo percorso artistico inizia da giovane, presso il Liceo Artistico SS. Apostoli di Napoli, dove acquisisce le prime tecniche di disegno e pittura. Si specializza nella ritrattistica e nella fumettistica e non mancano riconoscimenti nazionali. All’arte figurativa affianca la passione per la filosofia, per la letteratura e per la musica. Compone poesie, narrazioni in prosa, musiche. Fino al 2012 si dedica esclusivamente al lavoro. A Ravello, sulla costiera amalfitana, decide di riprendere la tavolozza e i pennelli, grazie alla conoscenza e alla frequentazione di artisti provenienti da tutto il mondo. Dipinge anche abiti di alta sartoria e tessuti vari. Resta sempre alla costante ricerca di tecniche e stili per nutrire la sua creatività, coniugando vigore espressivo/creativo e intuizione estetica. Dal 2012 a oggi elabora una propria cifra approdando a una concezione surrealista dell’arte contemporanea. La sua vernissage risale al 2014 al centro d’Arte San Vidal, a Venezia. Seguiranno altre esposizioni tra cui Arte Padova.
Dal 2015 a oggi, ArtGallery&SalottoLetterario Design diventa il suo laboratorio artistico per sperimentare fusioni, confronti e sperimentazioni: «L’arte in ogni sua forma viene quasi dettata dall’ambiente che ci circonda e dai nostri sensi che ne percepiscono la bellezza e l’unicità. Sono colori, profumi e meravigliose estensioni dell’anima, tutto a portata di tutti. Un animo sensibile è destinato a coglierne la straordinarietà. L’artista deve avere il buonsenso di testimoniarne la potenza e quindi veicolarla nella creatività, firmando così un’istantanea della sua vita, porgendola al mondo e al futuro. Il percorso, la passione, il tormento nel cercare se stessi con l’espressione è qualcosa che ti innalza, che ti traghetta in un luogo dove si respira compiutezza, felicità.» EG


Prezzo di copertina euro 15,00
Pag. 48
Codice ISBN 9788885781122


 

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